The End

Il teatro è l’arte della metafora. L’attore è un uomo che sta in palco, ma come se fosse un altro uomo, all’interno di uno spazio che richiama un altro spazio, e compie gesti che segnano un tempo che non è il tempo vero ma uno fasullo, più breve o più lento di quello durante il quale – normalmente – camminiamo, mangiamo o riposiamo.

"Copiare il vero può essere una buona cosa, ma immaginare il vero è meglio, molto meglio". Giuseppe Verdi.
Questa frase inchiostrata di rosso sangue e passione è proiettata nel buio della sala sul sipario chiuso. Mentre esso si apre, la scritta si fonde in un punto luce che si ingrandirà, proiettato su un disco sospeso per tutta la prima parte composta dal I e II atto. È un sole rosso che gira velocemente su se stesso. Sulla scena ci sono anche quattro colonne sospese poste diagonalmente a mezz'aria, che spesso si muoveranno accompagnando i gesti salienti dell'opera. Ovunque vi sono delle funi: fungono da secondo sipario, poi da sfondo, anche trattenute dai servi possono sembrare fluide colonne dei palazzi egizi dove la storia è ambientata. Una scenografia mobile, aerea, fluttuante giocata su questi pochi elementi della scena e su un sapiente e ricco disegno luci che enfatizza i corpi, taglia il buio, colora la luce. Spesso un occhio di bue illumina i protagonisti isolando tutto il resto nell'oscurità. Sul palcoscenico figuranti di piccola ed alta statura, vestiti di stracci, si muovono spesso carponi, velocissimi ragni sempre presenti, umanità in schiavitù costretta a muoversi con la schiena piegata.

" L'altra sera siamo stati all'Operà a vedere Tristano ed Isotta (...)
Sa qual è il peso degli escrementi che un individuo evacua al giorno?
Un chilo e mezzo. Moltiplichi per quattro miliardi di individui e fanno sei miliardi di chili al giorno."
Così discutevano con nonchalance, seduti su dei gabinetti intorno a un tavolo, i protagonisti di una celebre scena de Il fantasma della libertà, film del 1974 firmato Luis Buñuel, grande nome del cinema surrealista del XX secolo.

Ma che sei tornata a fare a Napoli? Ma chi ti ha chiamato? Sei venuta a spiare? Sì, a spiare, sei venuta a spiare, vero? Non ti basta quello che hai scritto di questa città? Non ti basta quello che hai scritto sugli intellettuali di questa città? Perché non te ne vai? Perché non te ne vai a Roma, a Firenze, a Milano, perché non te ne vai a morire in Liguria? Ma tu ci hai mai conosciuti? Ma tu ci hai mai frequentato? O ci hai soltanto spiati per poterci mettere nelle tue pagine? Non è che sei tu, proprio tu, quella che sbaglia? Sei sicura di non essere in torto? Sei sicura di non aver commesso un errore scrivendo il tuo libro? Ma perché non te ne torni da dove sei venuta? Perché non ci lasci in pace? Perché ci tormenti? Anna Maria, perché ci tormenti?

Rabbia, risentimenti, lenti tasselli della cornice del vuoto sociale dell’uomo: lo spettacolo di Luciano Melchionna al Teatro Bellini riempie la sala con un dramma d’interno. La scrittura scenica è presa dall’opera di John Osborne, presentata per la prima volta a Londra nel 1956 ed intitolata Ricorda con rabbia. Più che il tema del ricordo è prorompente l’evidenza socio-psicologica dell’uomo insoddisfatto, che non si sente al suo posto e nella sua epoca e che sfoga il suo malessere interno, i segni del suo passato e la denuncia della difficoltà delle relazioni umane e sociali.