The End

A sipario chiuso si sente come il fischio di un treno, o forse un lamento, misto al cinguettio di uccelli e poi la tela rossa si apre, scoprendo una luce blu davanti ai nostri occhi, un blu irreale, che sa già di sogno, di fiaba. Sul blu del fondale si proiettano le silouhettes di tre vecchie: una sembra la vecchia del Carnevale, con il naso bitorzoluto e la gobba, un’altra sembra una janara con i capelli scarmigliati, la terza ha il naso adunco da strega o da befana. Ma forse sono solo tre vecchie nonne, dalla voce chioccia e cavernosa, che ci prendono per mano e ci fanno entrare nel regno incantato della fiaba. “Ric’ ca ce steva 'na vota ‘o paese d’Arzano 'na femmena, la quale ogne anno scarrecava 'no figlio mascolo...”. La donna si chiama Zeza (come la compagna di Pulcinella in tanti canovacci...) e un anno finalmente riesce a dare alla luce una femmina, cui mette nome Gianna, ma la vecchia vammana (la levatrice) si confonde, mette il segnale sbagliato e i sette fratelli maschi prendono la via e camminano camminano camminano fino ad arrivare a casa di un orco, che viveva in un fitto bosco...

Tennessee Williams definì Lo zoo di vetro “un dramma della memoria”, inteso nella duplice lettura realistica della descrizione dei rapporti tra i personaggi e nella dimensione onirica della rappresentazione del tempo della storia. In scena, con la regia di Arturo Cirillo, non solo si è assistito al dramma della memoria, ma alla tragica celebrazione dell’assenza e del vuoto, inteso come una potente carenza affettiva che dilaga dal microcosmo familiare alla società e all’analisi esistenziale. Cirillo, infatti, sceglie una messa in scena calcolata per sottrazione degli elementi scenici, pochi e simbolici, per lasciare spazio alla potenza espressiva del testo, ai dialoghi, ai movimenti, alle entrate ed uscite di scena che si leggono come ingressi ed uscite dal ricordo.

C’è un prima e c’è un dopo. C’è quel che siamo e quel che diventiamo. Ci sono eventi che rappresentano cesure, fratture, nella storia personale e collettiva. Ci sono fratture che più propriamente definiremmo “faglie”; non a caso, perché il prima ed il dopo che ci ritroviamo ad ascoltare e a nostra volta a riportare, racconta proprio di una faglia, racconta del terremoto del 1980, dell’Irpinia, di uno squarcio profondo, nella terra e nelle vite di coloro che l’abitavano quella terra.

Tramutare e confondere luci, ombre ed oggetti dando vita ad immagini oniriche; aprire porte sconosciute che si affacciano su un panorama quasi esoterico, in cui il fisico ed il metafisico si uniscono secondo calcoli e geometrie tridimensionali attraverso l'illusione, liberando l'inconscio.
È questa l'ottica spiritualistica in cui si inserisce Alchemy l'ultima crezione pensata da quel genio visionario che è Moses Pendleton, padre dei Momix, l'acclamata compagnia statunitense di danzatori-acrobati che ogni anno gira il mondo con spettacoli astratti e multimediali. La performance dura circa un'ora e venti minuti ed è divisa in due parti intitolate rispettivamente Quest for Fire Water e Led into Gold.

Pochi sanno che – nell’agosto del 1915 – Luigi Pirandello incontra sua madre, morta pochi mesi prima. Si tratta di una rievocazione letteraria e avviene in Colloqui coi personaggi: Pirandello se la rivede, quest’ombra diventata “ombra solo da jeri”, seduta sul seggiolone della casa di Girgenti, investita d’un riflesso caldo di sole, “fragrante di mare”, accanto a una vetrinetta piena di suppellettili da cucina mentre – dalla grossa finestra – entra il rumore dei carri, della solita vita. “Ma come Mamma, tu qui?” dice Pirandello, preso da una tristezza infinita, da un abbattimento letale. Muore così una seconda volta la madre – ci dice il racconto – giacché riapparendo com’era allora, la Madre certifica che quel tempo di Girgenti è finito, che Pirandello adesso deve pensarla defunta, sparita per sempre, diversa da com’era e da come continuava ancora a immaginarsela lui: nel sole, sul seggiolone, accanto alla vetrinetta. “Quella stessa realtà di vita che per tanti anni, così da lontano, t’ho data sapendoti realmente seduta là in quel cantuccio” adesso termina e Pirandello ne piange: “piango” – le dice – perché tu non puoi più dare “a me, alla mia realtà, un sostegno, un conforto”. Piange perché è costretto a prendere atto del presente, facendo terminare il passato.